Barbara Kruger & Adrienne Rich

Barbara Kruger, Untitled (Are we having fun yet?), 1987.
 Collage38,5 x 30,5 cm
Kunsthaus Bregenz

 Barbara Kruger

Barbara Kruger (1945-), uma artista da “Picture Generation” com fortes interesses sociais, desenvolveu a sua carreira através de posters. As suas obras usam normalmente imagens recuperadas de outro contexto dos “mass media” e/ou frases do “senso comum”. As suas colagens desafiantes subvertem os discursos de identidade e das instituições de poder. Para além do seu sentido de humor, Kruger é também vista como uma activista, já que as suas obras são altamente convidativas a uma tomada de posição, através das interrogações incisivas e do uso provocador dos pronomes pessoais.

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"An Unsaid word", Adrienne Rich

She who has power to call her man

From that estranged intensity

Where his mind forages alone,

Yet keeps her peace and leaves him free,

And when his thoughts to her return

Stands where he left her, still his own,

Knows this the hardest thing to learn.

"Boundary", Adrienne Rich

What has happened here will do

To bite the living world in two,

Half for me and half for you.

Here at last I fix a line

Severing the world's design

Too small to hold both yours and mine.

There's enormity in a hair

Enough to lead men not to share

Narrow confines of a sphere

But put an ocean or a fence

Between two opposite intents.

A hair would span the difference.

Adrienne Rich

 

Adrienne Rich (1929-2012) é uma das mais apreciadas autoras dos EUA do séc. XX. Famosa sobretudo pela sua poesia, Rich destacou-se pelo seu feminismo assertivo e activista. A autora conjuga com sucesso a dimensão psicológica e um tom de experiência íntima e vivida, levando-a para um universo político-social mais abrangente que denuncia a opressão da mulher em termos globais.

Relação obra/poemas

Tanto a colagem de Kruger como os poemas de Rich exploram a ideia da mulher num contexto de divisão, limites e sobretudo dependência. Na imagem vemos uma mulher só, que no entanto se exprime na primeira pessoa do plural ("we"). Esta mulher simboliza, em primeira instância, a busca de validação: ela não parece saber como se sente, ou como podemos adivinhar, como se deve sentir. Há uma clara discrepância entre a carga claramente dramática da fotografia e a leveza e "nonsense" da pergunta. A mulher da imagem vive, pois, estas tensões e parece estar cansada de esperar que a atenção do homem retorne para si.

Luísa

James Turell & Rainer Maria Rilke

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James Turrell (1943-) is an American artist primarily concerned with light and space, known for his work in progress, Roden Crater — a natural cinder cone crater (Arizona) that he is turning into a massive naked-eye observatory. He has also worked as a pilot with over twelve thousand hours flying; maybe, that is why he considers the sky as his studio, material and canvas. New Yorker critic Calvin Tompkins writes, “His work is not about light, or a record of light; it is light — the physical presence of light made manifest in sensory form.”

Fargo, Blue, 1967

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Rainer Maria Rilke (1875-1926) was a Bohemian-Austrian poet and novelist, widely recognized as one of the most lyrically intense German-language poets. Several critics have described Rilke's work as inherently "mystical." His writings include one novel, several collections of poetry, and several volumes of correspondence in which he invokes haunting images that focus on the difficulty of communion with the ineffable in an age of disbelief, solitude, and profound anxiety. These deeply existential themes tend to position him as a transitional figure between the traditional and the modernist writers.

"You, darkness, that I come from"

You, darkness, that I come from
I love you more than all the fires
that fence in the world, 
for the fire makes a circle of light for everyone
and then no one outside learns of you. 

But the darkness pulls in everything —
shapes and fires, animals and myself, 
how easily it gathers them! —
powers and people-

and it is possible a great presence is moving near me. I have faith in nights. 

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Connection between the two works of art

Both authors are fascinated by the contrast (and by the coexistence) of darkness and light, by this mystery that brings the unique experience of transcendence. One is therefore invited to step out of his/her comfort zone to enter the darkness, in order to get to know him/herself better. As human beings, we are naturally scared of dark, of the unknown. To face darkness means to suspend for a moment our effort to control everything around us, to gain a new knowledge and to gain an experience that might make our perception of the world different.

Patrícia Proksová



Bruce Nauman e Walt Whitman

                                              Bruce Nauman One Hundred Live and Die (1984)                                                                            Naoshima Contemporary Art Museum
                                                             
Bruce Nauman

        É um dos artistas mais versáteis dos EUA. Começou a sua carreira nos anos 1960 e desde então tem vindo a misturar Minimalismo, Conceptualismo, performance e vídeo nas suas obras. Concentra-se no comportamento das pessoas como ponto de partida para a criação, a partir de sessões de pesquisa e momentos de reflexão, tendo em conta os seus interesses políticos e éticos. Daqui resulta a criação de uma obra que pretende servir como espelho, refletindo o individual e, mais tarde, o plural (o público).

Song of Myself, Walt Whitman

          Have you practiced so long to learn to read?

          Have you felt so proud to get at the meaning of poems?

          Stop this day and night with me and you shall possess the origin of all poems,

          You shall possess the good of the earth and sun, (there are millions of suns left,)

          You shall no longer take things at second or third hand, nor look through the eyes of the dead, nor feed on the specters in books,

          You shall not look through my eyes either, nor take things from me,

          You shall listen to all sides and filter them from yourself.

    Relação obra/poema

      A obra de Nauman One Hundred Live and Die apresenta-nos cem propostas de vida, todas com o mesmo fim. O contraste entre a vida e morte é assim explorado num cenário pouco habitual. Através do jogo de luzes néon aliadas ao texto é criada uma tensão entre o espaço físico em que se encontra a obra e o psicológico, o que resulta na impossibilidade de o espetador ficar indiferente, pois ele próprio é também criador da obra. Com base nesta última ideia, poderá ser mais fácil a compreensão de Whitman e a sua maneira de ver o corpo, convidando-nos a encontrar a origem da criação — “Stop this day and night with me and you shall possess the origin  of all poems”.

                                                                                                                                          Maria Rocha

Edward Kienholz & Charles Bukowski

Edward Kienholz, The Beanery, 1965

 © Nancy Reddin Kienholz/Stedelijk Museum Amsterdam

"A bar is a sad place, a place full of strangers who are killing time, postponing the idea that they're going to die." Ed Kienholz

"My Vanishing Act"

when I got sick of the bar

and I sometimes did

I had a place to go:

it was a tall field of grass

an abandoned

graveyard.

I didn't consider this to be a

morbid pastime.

it just seemed to be the best

place to be.

it offered a generous cure to

the vicious hangover.

through the grass I could see

the stones,

many were tilted

at strange angles

against gravity

as though they must

fall

but I never saw one

fall

although there were many of those

in the yard.

it was cool and dark

with a breeze

and I often slept

there.

I was never

bothered.

each time I returned to the bar

after an absence

it was always the same with

them:

"where the hell you

been? we thought you

died!"

I was their bar freak, they needed me

to make themselves feel

better.

just like, at times, I needed that

graveyard.

Bukowski, Charles: My Vanishing Act [from You Get So Alone At Times That It Just 

Makes Sense (1986), Black Sparrow Press]

Edward Kienholz

23/10/1927 - 10/06/1994

As obras de Ed Kienholz, de carácter imersivo e tridimensional, apresentam uma reflexão sobre questões contemporâneas, políticas e sociais, prementes na última metade do século vinte. Assemblage  é o método usado pelo artista na maior parte das suas obras, cujo material inclui despojos, lixo e objectos encontrados em flee-markets e que, pela sua condição degradada e danificada, pretendem evocar os "podres" da sociedade (neste caso, a norte-americana). 

Charles Bukowski

16/08/1920 - 09/03/1994

Poeta Ameriano, natural da Alemanha, cuja vasta obra se debruça em grande parte sobre questões políticas e sociais. O comum cidadão americano de classe baixa, a fadiga do trabalho, o álcool, a relação com o sexo feminino e a escrita em si são temas recorrentes na sua obra, cujo estilo é coloquial, cru e muitas vezes obsceno.

The Beanery

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Um excerto do documentário Kienholz On Exhibit, de June Steel que pretende documentar a reacção do público face à exposição de Kienholz no Los Angles County Museum of Art (LACMA), em 1966. Ainda que a obra "The Beanery" apareça apenas nos dois últimos minutos deste video, é de interesse vê-lo tanto pelas várias obras apresentadas como pelas diferentes reacções que estas provocam no público.

Bibliografia:

www.theartstory.org

www.stedelijk.nl/en

www.bukowski.net

Bolin, Paul E. and Doug Blandy, "Beyond Visual Culture: Seven Statements of Support for Material Culture Studies In Art Education", Studies in Art Education, Voll. 44, Nº 3 (2003), pp. 246-263
Published By: National Art Education Association

Inês Furtado Nº48711

Willem de Kooning e Walt Whitman

Willem de Kooning, Untitled, 1966

Charcoal on paper, 25,4 x 20,3 cm

The Museum of Modern Art, Nova Iorque

Willem de Kooning 

Pintor estado-unidense, nascido em Roterdão. Um dos pintores mais celebrados do Expressionismo Abstracto que inclui nas suas obras uma fusão de movimentos artísticos como o Cubismo, o Surrealismo e o Expressionismo. Em 1950, cria uma série de quadros sobre mulheres, intitulada "Woman", que são ainda hoje as obras mais discutidas do artista.

Walt Whitman

This is the female form,

A divine nimbus exhales from it from head to foot,

It attracts with fierce undeniable attraction,

I am drawn by its breath as if I were no more than a helpless 

vapor, all falls aside but myself and it,

Books, art, religion, time, the visible and solid earth, and what was 

expected of heaven or fear'd of hell, are now consumed,

Mad filaments, ungovernable shoots play out of it, the response 

likewise ungovernable,

Hair, bosom, hips, bend of legs, negligent falling hands all dif 

fused, mine too diffused,

Ebb stung by the flow and flow stung by the ebb, love-flesh swell-

ing and deliciously aching,

Limitless limpid jets of love hot and enormous, quivering jelly of 

love, white-blow and delirious juice,

Bridegroom night of love working surely and softly into the pros-

trate dawn,

Undulating into the willing and yielding day,

Lost in the cleave of the clasping and sweet-flesh'd day.

This the nucleus—after the child is born of woman, man is born 

of woman,

This the bath of birth, this the merge of small and large, and the 

outlet again.

Be not ashamed women, your privilege encloses the rest, and is the 

exit of the rest,

You are the gates of the body, and you are the gates of the soul.

The female contains all qualities and tempers them,

She is in her place and moves with perfect balance,

She is all things duly veil'd, she is both passive and active,

She is to conceive daughters as well as sons, and sons as well as 

daughters.

As I see my soul reflected in Nature,

As I see through a mist, One with inexpressible completeness, 

sanity, beauty,

See the bent head and arms folded over the breast, the Female 

I see.

Relação entre o poema e a obra

O desenho de Willem de Kooning propõe uma desconstrução do corpo feminino. É-nos apresentado um corpo fragmentado, um corpo estranho, em contraste com o que o poeta Walt Whitman descreve nos dois primeiros versos do poema ("This is the female form, / A divine nimbus exhales from it from head to foot"). Se a verdade é que somos, de facto, atraídos ao ver a imagem desta mulher perturbadora não é de todo pela sua forma divina e bem desenhada (deformação vs. ideal).

Neste esboço a figura feminina, nua e com o corpo em forma de cruz, remete para a ideia da submissão da mulher ao homem (vejam-se os versos: "mine to difuse", "she is both passive and active"). Trata-se, pois, de um corpo idealizado pelo  voyeurismo masculino.

Ana Palhão